El Augusto de Prima Porta. Un análisis iconográfico

Desde el siglo VIII a. C, Roma mantiene relaciones comerciales con las colonias griegas y otras culturas mediterráneas y se inserta en un intercambio cultural llamado koinè del que resulta una fuerte influencia de las formas griegas y etruscas en el desarrollo del arte romano. Asimismo, después de la victoria sobre los cartagineses al final de las Guerras Púnicas, Roma extiende su territorio hasta su apogeo en el siglo II d. C. Así, cuando Augusto llega al poder en el año 27 a. C, el arte romano se enriquece con una multitud de influencias y desarrolla una obsesión por las formas del arte clásico de Grecia. Con el arte imperial este toma un giro más importante ya que el arte se centra en la representación del emperador que desea perdurar en la posteridad y un control de la producción. Debido a este culto del poder, el arte y en particular la escultura desarrolla un interés por los retratos cuya herencia etrusca de las máscaras mortuorias favorecen un cierto naturalismo, emancipándose de la idealización del cuerpo del arte clásico.

Este desarrollo se ve claramente en la estatua de Augusto de Prima Porta (fig. 1). Basándose en una descripción de los elementos formales que componen la escultura, se propone en esta entrada un análisis primero de las opciones estéticas y luego una disección de la iconografía de la coraza. La estatua de Augusto de Prima Porta fue hallada en el distrito epónimo de Roma, en la Villa Livia, esposa del emperador, a finales del siglo XIX. Mide 2,17 metros de altura y está hecha de mármol de Paros. El ejemplar actualmente expuesto a los Musei Vaticani está fechado en los años 14-37 de nuestra era, pero debe ser una copia de un original de bronce del año 20 a. C. La estatua es un altorrelieve en pie dispuesto sobre un pequeño pedestal. Representa a un hombre de rostro imberbe, con sólo una arruga en la frente, sus pómulos sobresalen y su boca cerrada. La musculatura está modelada, especialmente en los niveles de las pantorrillas lo que apoya el ligero movimiento de las piernas. Tiene la cabeza ligeramente inclinada hacia su derecha y el brazo derecho levantado, dándole una posición de orador frente a una multitud. Sobre una túnica militar lleva una coraza ricamente decorada con figuras en bajorrelieve y un manto, llamado paludamentum, con pliegues gruesos alrededor de su cintura. La escultura se completa con un Cupido montando un delfín a nivel de la pantorrilla de Augusto. La estatua del Augusto de Prima Porta pertenece a un tipo de escultura, llamado thoracata, que influyó bastante el estilo y la manera de representación de los emperadores posteriores. Coincidencias están visibles en muchas estatuas acorazadas, por ejemplo, la de Trajano, emperador de 98-117 d. C. (fig. 2).

Fig. 1: Estatua de Augusto de Prima Porta, h. 20 a. C., Museo Vaticano
Fig. 2: Estatua acorazada de Trajano, s. II d. C., Museo del Louvre, París

La estatua se presenta como una síntesis de la relación del emperador con el arte y sus representaciones. En efecto, se constata un importante cambio en las opciones estéticas e iconográficas desde el momento en el que se le entrega este título sagrado de Augustus. Si se compara el rostro del Augusto de Prima Porta con los retratos anteriores de él, se constata el abandono de los rasgos severos y angulosos en favor de un rostro alisado y alargado. El arte imperial se caracteriza por un importante control de códigos artísticos que mezclan la idealización clásica helenística con la tradición republicana romana. En primer lugar, el rostro responde a las normas canónicas mediante una división tripartita entre la frente, la nariz y la parte inferior del rostro creando una armonía estética. Por segundo, la idealización del rostro con un propósito de valorización de su estatuto se traduce en un rostro liso que lo inmoviliza en cierta juventud. Por último, la elección de representarse imberbe refleja un compromiso alineado con las representaciones de Alejandro Magno que introdujo este código iconográfico del poder en el siglo IV a. C.

En la postura del cuerpo se encuentra un desafío iconográfico. En efecto de la herencia griega, el Augusto de Prima Porta retoma el ideal de belleza masculina instaurado por Policleto en el Doríforo (fig. 3) en el siglo V a. C. Además de una musculatura modelada, las dos estatuas tienen en común una posición en contrapposto, es decir, la pierna derecha está tensa, sosteniendo el cuerpo, mientras la izquierda está puesta atrás, relajando. Esta posición acerca Augusto a los ideales griegos, lo que le confiere una dignidad intelectual y una grandeza heroica, pero también permite dar un impulso a la posición en la que se encuentra; dando una adlocutio. En efecto, su brazo está levantado y su dedo estirado como para arengar a una multitud manteniendo una postura plácida. Además de la representación de un dirigente, Augusto está representado como una divinidad. Por un lado, la imponente dimensión de la estatua favorece una idealización y lo acerca a la monumentalidad de las estatuas divinas, y también los pies descalzos, característica de representaciones de dioses, hacen referencia al estatus divino de Augusto que recibió después de su muerte; el periodo en el que se creó está estatua. Por otro lado, la adición de un pequeño Cupido montando un delfín es una herramienta al servicio de este discurso ya que se refiere a Venus, diosa nacida de la espuma y madre de Cupido, así como de Eneas, gran figura heroica, de la que se jacta la gens Julia a la que pertenece Augusto.

Fig. 3: Policleto, Doríforo, h. 440 a. C., Museo Arqueológico Nacional de Nápoles

Augusto lleva sobre la túnica militar una coraza ricamente decorada que se comparte en una escena principal ubicado el medio de la coraza compuesto por dos hombres en vestido militar y varias divinidades, así como animales del mundo mitológico alrededor de la escena principal. Dos esfinges se ubican en las solapas de los hombros. En el nivel más arriba, el dios/la personificación del cielo, Caelus extiende la cubierta del firmamento. Abajo del manto, Sol conduce una cuadriga precedido por Aurora y Eósforo/Fósforo o, según otros autores, Aurora y Luna. En la parte debajo de la coraza, se ve a una persona acostada, interpretada como la diosa de la tierra, Tellus, que lleva un cuerno en su mano y alimenta a dos niños que se encuentran a su lado. Superior de esta escena aparecen dos dioses. Por el lado izquierdo hay Apolo cabalgando un grifo y en el lado derecho Diana cabalgando una cierva, dos dioses relacionados con divinidades estelares y, así, yendo bien con las escenas de la parte arriba de la coraza formando una composición homogénea. Superior de los dioses aparecen dos personificaciones de provincias romanas vencidas o, según otros autores, representaciones de pueblos sometidos por los romanos en general.

La escena más discutida de la coraza es, sin duda, la del centro. Un Parto, quizás el rey Fraates IV, entrega un emblema a un romano en actitud militar acompañado con un perro o lobo. El romano es interpretado por distintos autores como el dios Marte, Tiberio, hijo de Augusto, o sin denominación como un militar romano. Esta escena y los relieves de la coraza en general son una de las más ricas composiciones en torno al tema de la victoria sobre los Partos y la devolución de los emblemas tomados. En el año 53 a. C. Marco Licinio Craso perdió la batalla de Carras contra los Partos y así los emblemas de tres legiones. Esta derrota no solamente costó la vida de miles de soldados, sino también era una gran vergüenza en la mentalidad de los romanos. Por eso, el convenio que firmó Augusto en el año 20 a. C. con el rey Fraates IV de Partia y que aseguró la liberación de los prisioneros de guerra y la devolución de los emblemas capturados era un triunfo de gran magnitud para él y su establecimiento como nuevo emperador y, por tanto, bien representado en el arte augusto.

Aparte de las interpretaciones de la coraza, postura y el rostro de la estatua, los restos de color encontrados en la superficie del mármol han sido de gran interés para los científicos y útil en la contradicción de una “antigüedad en blanco”. El mal estado de conservación de muchas estatuas antiguas y la extirpación de restos polícromas de ellas en el Renacimiento construyó una imaginación pública que la escultura de la antigüedad clásica había creado totalmente sin color. Que esto no es el caso ya saben los científicos por mucho tiempo a causa de textos de autores contemporáneos y las pocas estatuas halladas con restos de pintura conservados, como la estatua de Augusto de Prima Porta. Hoy, casi nada de los restos de la pintura queda visible, pero gracias a nuevos métodos científicos y dibujos del tiempo del descubrimiento de la estatua, es posible reconstruir la obra en color como probablemente había parecido. Un buen ejemplo para esto es la reconstrucción de esta escultura en el Museo Ashmolean de Oxford (fig. 4).

Fig. 4: Estatua de Augusto de Prima Porta (reconstrucción en color), Ashmolean Museum, Oxford


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